Ingrid Berthon-Moine ist eine französische bildende Künstlerin mit Sitz in London. Ihre oft humorvollen Arbeiten nutzen Skulpturen, Malerei und Zeichnungen, um die Konstruktion von Identität und deren verhaltensbezogene Konsequenzen in unserer Gesellschaft zu untersuchen. Ihre Werke kommentieren nicht nur den Zustand der Welt auf Makro- und Mikroebene, sondern bieten auch Gelegenheit zur Diskussion, Selbstreflexion und manchmal auch zu Unbehagen. Nach der Aufhebung des verfassungsmäßigen Rechts auf Abtreibung in Amerika im Jahr 2022 schuf sie eine Reihe von Skulpturen zu diesem Thema, darunter „By the Back Door“ und „Copper Killer“, die beide derzeit in der Online-Galerie gertrude.com zu sehen sind. Als der ehemalige Premierminister Boris Johnson weiterhin aus den falschen Gründen Schlagzeilen machte, schenkte sie uns „Struggly“, einen verwirrten Mann mit baumelnden Hoden und einem komischen schlaffen Penis.
Berthon-Moine hat einen Masterabschluss in Bildender Kunst von der Goldsmiths University (2017). Ihre Arbeiten wurden weltweit ausgestellt, unter anderem im 55SP in São Paulo, Brasilien (2022), im Stadtmuseum in München (2019), im Espace Temoin in Genf (2018) und bei Kelder Projects in London (Einzelausstellung, 2018).
Wir trafen Ingrid, um über ihre jüngste Zusammenarbeit mit Folk zu sprechen. Interview von Anne-Céline Jaeger
Können Sie uns ein wenig darüber erzählen, wie es zu der Zusammenarbeit mit Folk kam?
Ich kenne Cathal McAteer, den Kreativdirektor von Folk, seit einigen Jahrzehnten und wir haben uns immer gerne über Kunst und Design unterhalten. Ich weiß, dass er sich für alles interessiert, was mit Kunst und Kreativität zu tun hat. Eines Tages, vor etwa 18 Monaten, sagte ich: „Komm doch mal ins Studio und schau dir an, was ich mache.“ Ich zeigte ihm einige meiner Aquarellzeichnungen, die ich im Laufe der Jahre angefertigt hatte. Er wusste sofort, was ihm gefiel. Er hatte eine Vision. Er war sehr zielstrebig. Es ist unglaublich, jemanden zu sehen, der sich so sicher ist. Ich bin das Gegenteil, ich schiebe Dinge auf … Nachdem er die Zeichnungen ausgewählt hatte, zeigte er sie seinem Designteam und sie beschlossen, einen Stoff für die Kollektion zu entwerfen.
Wie war es, ein Kunstwerk einer Welt außerhalb der direkten Kunstwelt zu präsentieren? Mussten Sie darüber nachdenken? Gab es Bedenken?
Natürlich stellt man sich diese Frage … aber ich war ziemlich offen, denn ich mag immer neue Arbeitsweisen, und als ich den Stoff sah, den sie ausgewählt hatten, und die Qualität des Drucks, dachte ich einfach nur: „Oh mein Gott, das ist fantastisch.“ Die Farben sind wunderschön geworden. Er hat jedes kleine Detail der Wasserfarben eingefangen, sie sind alle da. Ich war wirklich überrascht von der Qualität. Ich habe es auf einem Papier gemacht, das man als billig ansehen könnte, aber sie haben den richtigen Stoff dafür ausgewählt, das passt sehr gut dazu. Im Moment habe ich noch niemanden auf der Straße gesehen, der das Hemd oder das Kleid aus der Kollektion trägt. Wenn ich das eines Tages sehe, werde ich sagen: „Oh mein Gott, das ist meine Arbeit!“
Ich habe Ihre Arbeit über die Jahre mit großem Interesse verfolgt und konnte sie vor Jahren aus nächster Nähe miterleben, als wir uns ein Atelier teilten. Können Sie uns etwas über Ihren Arbeitsprozess erzählen? Wo beginnen Sie? Wie entwickelt er sich?
Ich habe vor ein paar Jahren angefangen, mit Wasserfarben zu zeichnen. Ich habe mir immer eingeredet, ich könne nicht zeichnen – so etwas wie ein selbst auferlegtes Verbot. Wasserfarben sind nicht unbedingt die naheliegendste Wahl, da sie kein einfaches Medium sind, aber sie haben mich angesprochen. Ich habe den Prozess wirklich genossen. Ich fand ihn sehr meditierend. Die Zeichnungsserie, die Cathal für die Folk-Kollaboration ausgewählt hat, beschäftigt sich mit dem weiblichen Körper – insbesondere der Klitoris. Ich bezeichne diese Zeichnungen – es sind vier in dieser Auswahl – immer als Klitoris-Zeichnungen. Im Stoff sehen Sie ein kleines blaues Ding, eines, das sehr dunkelblau ist. Für mich ist es wie eine konzeptualisierte Klitoris, und all die Blumen darum herum, die wie Staubblätter aussehen, sind die Nervenenden. Die Klitoris enthält, wie jeder weiß oder wissen sollte, etwa 8000 Nervenenden. Mir gefällt, dass der Stoff für Frauen ist. Es ist ein Wohlfühlkleid. Und es gibt auch ein Hemd und einen Hut. Sie können also von Kopf bis Fuß mit Nervenenden bedeckt sein. Können Sie sich vorstellen, eine riesige Klitoris zu sein …
Ihre Arbeiten vermitteln oft tiefgründige Einblicke in das Thema Geschlecht und sind gleichzeitig humorvoll – ein schwieriges Unterfangen, und doch gelingt Ihnen jedes Mal alles aufs Neue. Schon gestern, als ich Ihre Website besuchte, wurde ich sofort von Ihrem Eröffnungsbild begrüßt – der Skulptur eines verdrehten Ballons, der alle möglichen Körperöffnungen und -teile suggeriert. Ich musste sofort lachen. Zuerst denkt man: Was sehe ich da? Was soll ich denken? Und dann beginnt der Prozess … der Raum für Dialog … Was ist Ihre Absicht mit diesen Arbeiten?
Ich habe nie absichtlich gesagt: „Ich werde lustig sein.“ Ich denke gerne, dass meine Arbeit humorvoll sein kann, aber sie hat auch eine gewisse politische Note. Natürlich beschäftige ich mich hauptsächlich mit Geschlechtsidentität. Wenn all diese Elemente zusammenkommen, ist das in Ordnung. Ich versuche immer, ein gewisses Wechselspiel einzubauen. Man könnte zum Beispiel Blumen auf dem Stoff betrachten und denken, man sehe Blumen, obwohl es in Wirklichkeit Klitorisenden sind. Im 19. Jahrhundert malten viele Frauen Aquarelle, es galt als „Damen-Medium“ – viele malten vornehme Landschaften oder wunderschöne Blumen. Ich habe das Gefühl, ich nehme die Blumen zurück und transponiere sie in etwas Genitalorientiertes.
Ein ähnliches Gefühl der Freude erwächst bei mir beim Betrachten Ihrer Serie Thingy, einer Reihe von Skulpturen aus dem Jahr 2019, die in der Ausstellung Faire Corps in der Galerie Paris B in Paris ausgestellt sind. Diese übergroßen phallischen Statuen aus haptischen Stoffen erinnern an schlaffe Gliedmaßen, die gleichzeitig gefesselt und hilflos baumeln gelassen werden … Bekommen Sie bei Männern andere Reaktionen als bei Frauen?
Ja, es ist nicht allzu schwer zu verstehen, dass Männer sich angegriffen fühlen. Sie fühlen sich in gewisser Weise unwohl, wenn sie mit Enttäuschung konfrontiert werden. Frauen finden das immer lustig und können sich gut damit identifizieren, wohingegen Männer sich eher unwohl fühlen. Diese Serie hat auch mit Verlangen zu tun. Wenn man zum Beispiel in den sozialen Medien unterwegs ist und von Marketing-Maßnahmen angegriffen wird, von all den großen Unternehmen, alles ist genau auf das ausgerichtet, was einem gefällt. Wir werden ständig davon erregt. Es geht um kurzfristige Befriedigung. Es gibt einen Begriff dafür: Homo consumericus, ein Mensch, der rücksichtslos konsumiert und dadurch in einen Zustand innerer Leere, Passivität, Einsamkeit und Angst gerät. Deshalb mag ich diese Erektion des Verlangens und das damit verbundene entmutigende Element, da wir nie wirklich vollkommen zufrieden sind.
Ich habe das Gefühl, dass wir an einem Punkt angelangt sind, an dem Frauen beim Betrachten Ihrer Kunst lachen können, aber sind Männer dazu bereit?
Ja, sie lachen auch. Erinnern Sie sich noch an meine Arbeit „Looking at a Lack of Perspective“ bei der Master-Abschlussausstellung des Goldsmiths College 2017? Ich habe im zentralen Raum ein riesiges ausgeschnittenes Foto aufgehängt, auf dem ich die Spitze eines schlaffen Penis betrachte. Alle wollten ein Selfie, die Leute lachten ständig, es herrschte großes Unbehagen. Meistens ist ein Penis groß, hart und erregt. Je größer, desto besser. Einen schlaffen Penis sieht man nie. In frühen Pornofilmen konnte man sehen, wie die Typen ihre Erektionen verloren. Das ist sehr süß, während es heute nur noch um Pumpen, Pumpen, Pumpen und Gewalt geht.
In Ihrer Installation „You Tear Us“ im Jahr 2018 haben wir zum ersten Mal einige der Formen und Elemente gesehen, die für Ihre Zeichnungen so wichtig geworden sind – fröhliche männliche und weibliche Formen voller Flüssigkeit, milchige Brüste, feuchte Lippen, tropfende Schwänze, pulsierende Ranken usw. War dies der Beginn Ihrer Liebe zum Zeichnen? Ist es zu einer täglichen Übung geworden?
Manchmal habe ich eine Idee, stelle sie Kuratoren vor und sage dann: „Das habe ich übrigens noch nie gemacht.“ Für diese Ausstellung war der Raum wie eine Höhle, ein Mutterleib. Ich begann zu zeichnen, als wäre ich in einer Höhle – eine tolle Erfahrung. Jetzt mache ich damit weiter, an den Wänden meines Schlafzimmers, mit Wasserfarben. Es ist schön. Ich zeichne einfach jeden Abend vor dem Schlafengehen. Prähistorische Kunst fasziniert mich. Ich mag das Geheimnisvolle daran. Egal, wie wir diese Werke analysieren, manche bleiben unentschlüsselbar. Das ist das Magische daran. Das wollte ich ausprobieren. Ich erinnere mich an die Wände meiner Großmutter … Da hing eine wunderschöne Tapete. Ich war schon immer verliebt in sie. Sie war orange und hatte graublaue Blätter. Sie ist mir im Gedächtnis geblieben. Ich glaube, ich habe versucht, das mit meinen eigenen Farben nachzubilden. Die Zeichnungen in meinem Schlafzimmer ähneln sehr den Folk-Prints … blumig, klitoral …
Sie unterstützen verschiedene Wohltätigkeitsorganisationen, die Kunstwerke versteigern, um Spenden für verschiedene Zwecke zu sammeln, zuletzt für den Hepatitis C Trust mit @artonapostcard. Ist das Ihrer Meinung nach eine tolle Möglichkeit für Kunstliebhaber, zu erschwinglichen Preisen mit dem Sammeln zu beginnen?
Ich finde das großartig. Manchen Menschen ist es vielleicht auch weniger unangenehm, online einzukaufen, als in eine Galerie zu gehen. Normalerweise kümmere ich mich zuerst um Wohltätigkeitsorganisationen, die Frauen und Kindern helfen, aber kürzlich habe ich dem Drawing Room eine Zeichnung geschenkt. Sie sammelten Geld für ihre neuen Räumlichkeiten. Außerdem habe ich während des Lockdowns viele kleine Zeichnungen angefertigt, die ich online verkauft habe. Den gesamten Erlös habe ich an Wohltätigkeitsorganisationen wie Shelter, The Felix Project und Ärzte ohne Grenzen gespendet.
Inwieweit spielt Politik, insbesondere Geschlechterpolitik, eine Rolle in Ihrer Arbeit? Ich denke dabei insbesondere an Werke wie „Breeder“, ein Acrylgemälde einer Mutter, starr vor emotionaler Erschöpfung, die zwei Babys auf Armeslänge hält, von denen eines pinkelt und eines kackt. Es stellt nicht nur einen Gegensatz zur beschönigten Marien-Ikonographie dar, wie Sie in Ihrem Kommentar sagen, sondern könnte auch als Mittel gesehen werden, um beispielsweise die Umkehrung von Roe versus Wade zu kommentieren, wie Sie es zeitgleich gepostet haben …
Ich habe eine Zeichnung von einer ähnlichen Figur gemacht, einer Frau, die ich Lali nannte. Sie ist eine knallharte Frau mit viel Charakter … Als die Kehrtwende passierte, zeichnete ich Lali mit einem Kleiderbügel, der aus ihrer Vagina hängt und an dem ein kleines Baby baumelt. Die Zeichnung wurde kürzlich in der TJ Boulting Gallery anlässlich der Veröffentlichung von Hettie Judahs Buch „How Not to Exclude Artist Mothers (and other parents)“ ausgestellt. Es ist eine sehr düstere Zeichnung, eine meiner düstersten. Sie steht symbolisch für Abtreibung. Ich habe über Abtreibung gelesen und dass in den USA 60 % der Abtreibungen von Frauen vorgenommen werden, die bereits ein Kind haben. Die Entscheidung für eine Abtreibung basiert auf den Erfahrungen mit der Erziehung des ersten Kindes, d. h. man weiß, was es bedeutet, für ein Kind zu sorgen, und man wünscht sich mehr finanzielle und psychische Sicherheit. Das muss gesagt werden. Ich glaube, es wird immer schlimmer werden. Als Nächstes geht es um die Kontrolle von Verhütungsmitteln. Denken Sie an all die Apps auf unseren Handys, die unsere Periode verfolgen. Können Sie sich vorstellen, was passiert, wenn sie in die falschen Hände geraten … Die Überwachung macht mir Angst. Es ist wie eine Big-Brother-Sache. Ich fühle mit Frauen, die das Gefühl haben, aus der Ferne überwacht zu werden. Ich bringe Genderpolitik nicht in jedes meiner Werke ein, aber ein Hauch davon ist immer mitschwingen. Manchmal kann man einfach nicht anders. Für die jüngsten Skulpturen „Good or Bad, You Choose?“ (2022), die in der Liminal Gallery in Margate im Rahmen der Ausstellung „Try a Little… Tenderness“ ausgestellt waren, habe ich mit dem Konzept der guten und der schlechten Brust der Psychoanalytikerin Melanie Klein gespielt. Klein bezog sich auf die „gute Brust“, die die gute Mutter darstellt, die ihr Kind nach Bedarf füttert und ihm Aufmerksamkeit schenkt, und die „schlechte Brust“, die die schlechte Mutter darstellt, die „Nein“ sagt oder abwesend ist, wenn das Kind etwas möchte. Hier wirkt die Skulptur, als wäre der Betrachter ein Baby, das der Brust der Mutter gegenübersteht. Wenn ein Kind geboren wird und an die Brust gelegt wird, fühlt es sich eins mit der Mutter, es ist zufrieden und glücklich. Doch manchmal steht die Brust nicht zur Verfügung, weil die Mutter etwas anderes tut, dann wird sie zur schlechten Brust. Dann erkennt das Kind, dass es losgelöst und getrennt von der Mutter ist, sie sind zwei, nicht eins. Gut oder schlecht, Sie haben die Wahl?
Sie haben das Online-Projekt „I Lack it, I Like it“ ins Leben gerufen, in dem Sie Frauen aus verschiedenen Bereichen der Kunst- und Kreativwirtschaft zu ihrem Mangelgefühl befragen. Bisher haben Sie 97 Künstlerinnen interviewt. Welche Themen haben sich aus diesen Interviews ergeben?
Der Slogan „I lack it, I like it“ spielt mit Freuds Theorie des Penisneids. Ich halte ihn für einen sehr feministischen Slogan. Er behauptete, jedes kleine Mädchen wolle einen Penis, womit ich überhaupt nicht einverstanden bin. Das ist eine sehr phallozentrische Weltanschauung. Es fing damit an, dass ich „I lack it, I like it“-Aufkleber druckte, die ich hier und da aufklebte oder an Personen verteilte, die sich als Frauen erkannten. Während des Lockdowns hatte ich das Gefühl, ich könnte mehr tun, als nur Aufkleber zu machen. Ich kam auf die Idee, fünf Fragen zum Thema Mangel zu formulieren, und habe dieselben fünf Fragen fast 100 Künstlerinnen gestellt. Die Interviews sind alle auf Instagram unter www.instagram.com/lackitlikeit gesammelt. Es gibt einige wirklich unglaubliche Interviews mit Frauen. Manchmal war ich beim Lesen sehr emotional und den Tränen nahe. Da die Plattform Instagram war, wurden die Künstlerinnen ermutigt, konzentriert zu antworten, tief in sich zu gehen und mit den Antworten zurückzukommen. Ich hatte das Glück, einige Leute zu haben, die das Projekt von Anfang an sehr unterstützt haben.
Was sind Ihre Hoffnungen für Frauen in der Kunst in den kommenden Jahren?
Wenn es einen Wandel für Künstlerinnen gibt, dann nur einen sehr, sehr, sehr langsamen. Ich denke, egal was passiert, wir müssen immer wachsam sein. Wir müssen kämpfen – das gilt für Frauen in der Kunst und für Frauen im Allgemeinen. Ich achte bei Ausstellungen immer sehr genau auf den Frauenanteil. Ich bin immer enttäuscht, wenn ich sehe, dass nur wenige Frauen vertreten sind. Wir müssen immer weiterkämpfen, und so ist es nun einmal.
Vielen Dank, Ingrid, dass Sie sich die Zeit genommen haben, mit uns zu sprechen.
Um Ingrids Arbeiten zu sehen, gehen Sie zum Folk-Shop in der Lambs Conduit Street, wo sie eine Installation geschaffen hat, die mit der Markteinführung ihres Stoffes zusammenfällt, oder besuchen Sie
https://www.ingridberthonmoine.com/
